Análisis del vestuario
La semiótica del vestido es un término utilizado para referirse al diseño y las costumbres asociadas al vestido (la ropa), como patrón de un tipo de simbolismo que tiene reglas y normas. Es el estudio de cómo la gente utiliza la ropa y los adornos para significar diversas posiciones culturales y sociales[1].
“La semiótica se define como el estudio filosófico y la interpretación de los signos[2]. El sistema semiótico no se limita sólo a la comunicación verbal. Por lo tanto, el término “semiótica del vestido” puede denominarse además como un recurso semiótico no lingüístico que se interrelaciona con las expresiones faciales, los gestos y la semiótica corporal en un esfuerzo por desarrollar y comunicar el significado[2].
Es importante señalar que la ropa y la moda, por definición, no son lo mismo. Mientras que la ropa se define como “cualquier cobertura del cuerpo humano”,[2] la moda se define como el estilo de vestir aceptado por los miembros de una sociedad como apropiado para momentos y ocasiones específicas[2].
El cuerpo humano es el elemento clave de este recurso semiótico no lingüístico. La forma de vestirse está condicionada por las necesidades biológicas y sociales del individuo. La psicología de la autopercepción y la autopresentación, tanto de los individuos que se ven a sí mismos como de la forma en que se ven dentro de un grupo mayor, una sociedad, una cultura o una subcultura, es fundamental para la semiótica del vestido.
Ejemplos de vestuario en el teatro
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¿Qué tipo de vestuario tienen las pantomimas?
A diferencia del disfraz, la vestimenta no pretende transformar a un individuo en otra cosa, sino realzar su identidad. En muchas culturas, los disfraces se han utilizado en una amplia gama de festivales que subrayan la solidaridad de la comunidad o declaran el derecho de una persona o grupo a un estatus, cargo o posesión particular. Desde el siglo XIX, los zulúes de Sudáfrica han utilizado ropa y joyas hechas con cuentas importadas para demarcar los cambios de estatus asociados a las diferentes etapas del ciclo vital. Los niños y las mujeres casadas suelen llevar menos abalorios. Las niñas se visten con taparrabos cuadrados o rectangulares unidos a un cordón de abalorios; las mujeres embarazadas se visten con delantales de cuero decorados con abalorios; y las mujeres casadas llevan una falda hasta la rodilla hecha de piel de cabra o de buey plisada, collares circulares en forma de aro y un tocado acampanado en forma de corona cubierto con ocre rojo o cuentas rojas y una banda de abalorios alrededor de su base. Los colores de los collares de cuentas transmiten mensajes sociales sobre las etapas del desarrollo físico y social. Los rectángulos pequeños, las bandas en zigzag o verticales, los rombos, los triángulos y los rombos son los motivos más extendidos.
¿De dónde sacaron los jugadores sus mejores trajes?
En la época de Shakespeare, la ropa reflejaba el estatus de una persona en la sociedad: había leyes que controlaban lo que se podía llevar. Como en las obras había reyes, reinas y gente rica, el vestuario de los actores reflejaba el estatus social de sus personajes. Los trajes eran principalmente la vestimenta moderna de la época. Así, para los papeles menos importantes, los actores podían llevar su propia ropa. Sin embargo, para una obra ambientada en la antigua Grecia o Roma, la compañía podía intentar dar un aspecto “antiguo” a los personajes importantes poniéndoles togas por encima de sus ropas normales. La compañía reutilizaba los trajes si podía, cambiando una capa o poniendo algún encaje caro. A veces, tenían que mandar a hacer un traje nuevo. La compañía gastaba probablemente unas 300 libras esterlinas al año en trajes, lo que en dinero de hoy supondría más de 35.000 libras esterlinas.
Se han conservado algunas de las cuentas del Teatro de la Rosa. En ellas se muestra que el propietario, Henslowe, pagó 20 10s 6d por una sola capa de terciopelo negro, bordada con plata y oro. Alrededor de la misma época, pagaba una media de 6 libras por una obra nueva.